Clicktácora // Proyecto para AMENA

Hace unos meses atrás AMENA (Asociación Mendocina de Expendedores de Nafta y Afines), que nuclea a las Estaciones de Servicio y Playas de Estacionamiento de la ciudad; me encargaron una serie de fotos para poder encuadrar y colgar en sus oficinas.

La idea era realizar fotos en sepia con personas, elementos y/o acciones vinculadas a la actividad que realizan las entidades que representa esta asociación.

Fue un proyecto que disfrute mucho hacer. Las fotos fueron realizadas con una Pentax K110D y un lente Pentax focal fija 50mm f/1.4 enfoque manual y una Fuji X30 compacta.

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Clicktácora // Aislar figura de fondo

Tiempo atrás se me había encargado fotografíar la imagen de la Virgen del Carmen de Cuyo. Advocación que el Libertador General de San Martín había declarado como patrona y generala del Ejército de los Andes. La misma se yergue desde aquellos años en la Basílica de San Francisco en el centro de la ciudad de Mendoza, Argentina.


PRIMER DESAFIO

La foto que me habían pedido era para imprimir. La idea principal era para hacer unas estampitas con una oración en el dorso. El fondo por ende debía ser neutro, sin ningún elemento distractorio.

El primer inconveniente que se me presentó fue que la imagen original estaba en una especie de camarín pequeño al que se accedía por medio de una gran escalera. Pero, que debido problemas edilicios (propios del desgaste y de los distintos movimientos sísmicos a lo largo de los años), no se podía acceder por un largo tiempo.

Desde la nave central del templo se puede ver la imagen pero para lograr capturar una imagen más amplia necesitaba una focal más grande que en ese momento no tenía. Contaba solo con un 18-55mm y un 135mm. Se me sugirió hacer la foto con una réplica de la imagen que se encontraba allí, como plan B.


SEGUNDO DESAFIO
(1) Primer toma de prueba. Columna y demás detalles de fondo.
El plan B también tenía sus inconvenientes. La replíca del original estaba frente al ambón dónde se realizan las lecturas y homilias y frente a una columna muy grande que ocupaba gran parte del fondo de la foto. Como podrán ver en la foto (1), no solo era la columna sino otros tantos detalles que no serían nada fácil aislar para generar un fondo neutro. Sin ir más lejos, el velo de la Virgen estaba hecho con una tela de encaje y eso significaría un importante y costoso trabajo (en tiempo) de aislamiento digital de la figura con respecto al fondo.

LA SOLUCIÓN
(2) Aislando la figura del fondo
Se me ocurrió generar un primer proceso de aislamiento de forma analógica y a través de diferentes tomas. Usamos una pantalla blanca de un metro de diámetro. Como lo ilustra el gif animado(2), con quien hoy es mi esposa como asistente, se fue moviendo la pantalla cubriendo la mayor cantidad de fondo por cada toma para luego ser unida digitalmente y lograr así aislar la figura del fondo.

EL PROCESO DIGITAL
(3) Apilamiento de imagenes

Se unieron todas las tomas, quedando la imagen como se ve en la foto(3). Luego el resto del trabajo sería más simple ya que por medio de algunas herramientas de duplicado se iba unificando el blanco en todo el encuadre, generado por la pantalla usada como fondo.

EL ACABADO
(4) La imagen aislada de su fondo oiriginal

Sin dudas, para llegar a esta imagen final, se precisó trabajar primero sobre el revelado RAW de cada toma para que se mantuvieran los mismos parámetros de revelado (perfil de color, exposición, balance de blancos, contraste, negros, sombras, etc…) Luego de apilar todas las tomas ya reveladas se siguió con los pasos como lo ilustra la foto (3) hasta llegar a eliminar todo vestigio del fondo original y dejarlo como se ve en la foto (4).

EQUIPO

Pentax k3II, trípode, pentax 18-55mm, pantalla reflectora blanca y un Color Checker Passport de Xrite para perfilar color.
Exif:
Focal 43mm (sensor APS-C), iso 100, f/5, v/1s.

UN ÚLTIMO COMENTARIO

Es importante tener en cuenta con trabajos como estos, que gran parte de los proyectos fotográficos deben ser planificados. Tener y elaborar un plan B es un modo de cumplir con la mejor calidad posible el encargo. Y buscar el modo, gracias a la planificación, de reducir y alcanzar lo que más se pueda el tiempo de entrega.

Espero que les sea útil mi aporte.

Distancia Focal // Platon Antoniu


Hoy les traigo un fotógrafo que tiene una interesante sensibilidad espiritual. Una fuerte capacidad de llegar al alma del retratado y volcar en sus fotos el reflejo de esas almas.


Platon Antoniu
es un fotógrafo greco británico. Nace en Londres en 1968, de madre inglesa y padre griego. Cuenta como su padre arquitecto ha sido de gran inspiración para el.  Pasa parte de su infancia en Grecia hasta que la familia regresa a Inglaterra en los 70.  Estudia, graduándose con matrícula de honor en Diseño Gráfico en el St. Martin’s School of Arts y continua sus estudios con un master en Fotografía y Bellas Artes en el Royal College of Art. Entre sus profesores se encuentra John Hind, director del Vogue inglés. Es en 1992 cuando siendo todavía un estudiante recibe el premio al fotógrafo más prometedor de la mencionada revista.

Tras trabajar unos años para la Vogue británica, John F. Kennedy Jr. le ficha para trabajar en su revista “George” en Nueva York, lo que le permite retratar a las 20 personas más fascinantes del momento en los E.E.U.U. entre los que se encuentran Larry King, Myor Giuliani, Marilyn Manson a los que tiene fácil acceso gracias a la revista.

Enseguida se va haciendo un nombre y sus imágenes se mueven por distintas publicaciones como Rolling Stone, The New York Times Magazine, Esquire, GQ, Times Magazine para la que llegará a realizas unas 20 portadas.

En 2004 se publica su primer monográfico de la mano de Phaidon Press: “Platon’s Republic”

En 2007, realiza un retrato de Putin que ganará el World Press Photo 2008. Un año después entra en la plantilla del New Yorker cubriendo la investidura de Obama, al ejercito americano y realizando retratos de multitud de líderes mundiales y del Movimiento de Derechos Civiles.

Al año siguiente junto a Human Rights Watch realiza una serie de proyectos en defensa de la igualdad y justicia, fotografiando a los defensores de los derechos humanos de Burma y a los líderes de la revolución egipcia. En 2011, fotografía poco después de su liberación a Aung San Suu Kyi para la portada de Time. Ese mismo año publica su segundo libro “Power” una colección de unos 100 retratos de líderes mundiales que se convertirá también en una aplicación de Apple. Podéis ver un buen ejemplo de este proyecto en el New Yorker.

Desde 2011 hasta la actualidad, su trabajo también se puede ver en galerías de todo el mundo y en colecciones permanentes en varios museos. También realiza su incursión en el mundo de la moda y publicitario pero desde su punto particular de vista y entre sus clientes se encuentran desde la Fundación de las Naciones Unidas, hasta Diesel, Nike, Converse, IBM, Motorola entre otros.

Serie de Netflix // Abstract

Para el que pueda y tenga como, recomiendo ver en Netflix, de la serie ABSTRACT, el capítulo 7 de la temporada 1.

De allí, intenté rescatar algunas frases claves dichas por Platón con las que creo que todo fotógrafo puede sentirse identificado.

-“Cuando estás quieto y sentado, tus poderes de observación aumentan mucho” (N.R.: // Me llevó a reflexionar lo siguiente; Observar para comprender y comprender para comunicar.)

-“No siempre se trata de conseguir todos los detalles que se obtienen en un estudio. La luz ambiente siempre es mejor. Y lo mejor es la cruda luz del sol. Sin luces (artificiales), sin ayuda, es fotografía viva.

-“Te comunicas en la condición humana. Es algo muy poderoso, de esos detalles únicos de la humanidad que empiezas a comprender“.

-“Lo único que puedes hacer, es concentrarte en la compasión, la dignidad y la humildad” (N.R.: //Elementos abstractos de la condición humana que ilustran la naturaleza espiritual de la misma)

-“Es una conexión muy poderosa. Y así siento la fotografía

-“Mi trabajo es construir un puente de manera sólida. El poder del contenido. Esa es la idea del diseño. Ese momento en el que sientes algo muy poderoso

-“Es muy importante que haga muy bien mi tarea. Porque si me equivoco, puedo hacer daño a muchas personas”

-“Es gracioso, porque soy el que congela el tiempo. Así que ahora, se lo precioso que es cada momento. Por lo que intento exprimirlo a cada segundo“. (N.R.:// En particular alusión a dedicar un valioso tiempo a la familia)

Si pudieran ver este capítulo de Netflix, podrán sacar igual o mayor provecho que yo, sobre este idóneo fotógrafo.

En lo particular me ha impactado este documental a titulo personal y profesional, no tanto por la persona de Platon, sino porque a través de su experiencia he podido recordar que el oficio de la fotografía no debe nunca dejar de lado el objetivo humanista con la que fue gestándose desde que nació hasta el presente. Hoy más que antes, en esta vorágine de los avances tecnológicos y el fácil acceso a la compra de tal o cual modelo de cámara, puede llegar a ser un peligro perder ese elemento humano que hace que la cámara sea un medio (más allá del modelo y características técnicas) y la foto un espejo del alma del fotógrafo y del individuo fotografiado, en un lugar y tiempo determinado.

Para conocer más sobre Platón Antoniu, pueden visitar su sitio web: http://platonphoto.com/

Hasta pronto!!

Distancia Focal // Chema Madoz

 José María (Chema) Rodríguez Madoz nace en Madrid, en 1958. Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.


Queremos empezar agradeciéndote que nos dediques una parte de tu tiempo. Una buena parte de nuestro grupo conoce tu obra y estaban interesados en que tuviésemos una entrevista contigo. Las preguntas que a continuación te vamos a hacer han surgido de la participación abierta de todo el grupo.

Tus obras requieren una preparación -casi escultórica- de algún objeto ¿por qué plasmarlos en fotografías, en vez de presentarlos físicamente? ¿Qué le aporta la fotografía?

Distancia, devuelve al objeto a un territorio tan intangible cómo el lugar del que procede, la imaginación.

¿Qué ocurre con los elementos fotografiados después de la toma? ¿Los has expuesto alguna vez?

Los objetos una vez utilizados, se amontonan en el estudio, cómo material de trabajo, que puede ser reutilizado en otras composiciones. Únicamente, se ha expuesto algún objeto, cuándo no existía una foto de él y tan sólo en un par de ocasiones.

Cuando, como en tu caso, la fotografía no es un simple click y está tan cerca del arte, ¿cómo se afronta el temido “papel en blanco”? ¿Cómo surgen tus fotos?

Desde la misma perspectiva, que cualquier otro creador, con el vértigo que dá el vacío. Las imágenes no tienen un proceso claro por el que llegar a ellas. Algunas parten de meras intuiciones que intentas materializar o poner de relieve a través de los objetos, también hay ocasiones en las que lo que hay es un concepto previo y lo que necesitas encontrar son los objetos que en cierta medida lleven en su seno una parte implícita de la idea a la que quieres hacer referencia. Y en ocasiones la imagen puede partir de la contemplación del objeto mismo.

¿Por qué en blanco y negro? La fotografía artística o creativa, en color, ¿se valora menos?

A estas alturas es absurdo hacer prevalecer una técnica sobre otra. Cualquiera es perfectamente válida siempre que se adapte al discurso del trabajo. Yo utilizo el ByN, por varios motivos, Primero es un ejercicio de reducción, ya que limitas el color a dos opciones que se enfrentan, algo que también sucede con los objetos ( en general son dos objetos contrapuestos) por otro lado permite, jugar más fácilmente con las texturas a la hora de establecer vínculos o nexos.


¿La creatividad se aprende o es algo innato?

Creo que hay una cierta predisposición, pero se puede aprender. Sólo hay que tomar conciencia, de cómo en las mayoría de las ocasiones nuestras actitudes responden a esquemas pre-establecidos.

Tus metáforas visuales pueden recordar a parte de la obra de Man Ray ¿Te sientes influido o inspirado de alguna manera por él? ¿A quién admiras en fotografía?

No especialmente, pero hay algunos trabajos suyos que admiro sinceramente. Otros fotógrafos que me interesan pueden ser Duane Michals, el primer Ralph Gibson , Abelardo Morell o Andy Goldsworthy.

Sueles causar impresión y sorpresa con tus fotografías ¿Qué hace falta para impresionarte o sorprenderte?

Lo que a cualquier otra persona, descubrirme algo inédito en lo cotidiano.

¿Prefieres una buena crítica, un buen comentario de otro artista, la admiración de un aficionado o que alguien compre tu obra?

Puestos a elegir me quedo con todo

¿Que opinión tienes sobre la proliferación de la fotografía digital? ¿Es buena para la fotografía?

Claro que es buena, está proporcionando unas herramientas de las que hasta ahora no disponíamos. Esto, a pesar de que pueda generar una cierta confusión, es muy interesante, por que genera nuevas posibilidades, nuevos discursos.

Con esta proliferación, ¿Es cada vez más difícil destacar en este arte?

Ahora es cierto que hay más gente que utiliza la fotografía pero, por ejemplo todo el mundo tiene lápiz y papel y no por ello se complica la situación de los escritores.

¿Que equipo utilizas? ¿Crees que tener un buen equipo influye en la buena fotografía?

Trabajo con una Hasselblad desde hace unos veinte años. Mi primera cámara fue una Olympus OM-1

Como usuarios de Olympus esta pregunta es casi obligatoria para nosotros. ¿Que piensas del trabajo que está desarrollando esta marca? ¿Que opinas del estándar cuatro tercios?

Chema ha preferido no contestar a esta pregunta ya que considera que no esta al tanto de los últimos cambios.//cff

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|FIN|
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Entrevista realizada en un grupo de usuarios de cámaras Olympus (En Flickr). Debo a un querido y respetado colega, el hecho de conocer a Chema Madoz. Gracias estimado Martín Correo Llanos.

Clicktácora / / Verosimilitud en los retoques digitales

La destreza de hacer verosimil la ficción.

Hoy quiero compartirles un video de las charlas TEDx en la que sale Erik Johansson. Un genio de la fotografía surrealista. Trabaja con precisión y calidad los elementos compositivos y técnicos para generar mundos verosimiles y mensajes efectivos.

Me ha servido conocer su trabajo y su trayectoria para sacar a flote un concepto poco conocido y aplicado en la fotografía surrealista o de postproducción (también conocida como retoque digital) como lo es el concepto de “verosimilitud“. Esto significa, trabajar la ficción sin alejarse demasiado de la realidad al punto de caer en el absurdo y decepcionar así al espectador.

Es importante a la hora de realizar una intervención digital sobre una foto, no solo saber manejar el software, sino además, tener muy presente elementos tales como, espacio, tiempo, luz, objetos, proporciones, etc… Estos elementos principales, aún queriendo generar proyectos de tinte surrealistas, ayudan a que la foto final no pierda el sentido de verosimilitud.

Con navegar por internet unas horas, se descubren un sin fin de desastrosos proyectos de retoque digital. Aún con el supuesto respaldo de una trayectoria profesional. Ni contar los desastres visuales y la falta de originalidad que generan ver retoques digitales producto de preseteos que ofrecen los softwares. La pérdida de naturalidad en el proyecto final, agradará quizás al cliente que ignora que esa foto pudo haberse hecho con mejor calidad. Y la misma no está en la destreza del manejo del software o la versión que se use del mismo.

La destreza de un retoque digital está en el estudio cuidado de cada toma, del espacio, del comportamiento de las luces usadas y del tiempo(la hora a la que se haga si se depende de la luz natural)

Erik Johansson, nos enseña a tener esos cuidados. A formar poco a poco esa verdadera destreza. Un genio dispuesto a enseñar.

Distancia Focal // Ernst Haas

Ernst Haas fotografiado por Glenn Beier 

“Una fotografía debe ser a la vez una pregunta
y una respuesta”

 ” Nacido en Austria, es un maestro de la fotografía en color, cuya capacidad para registrar la acción bajo sus múltiples aspectos ha sido reconocida en todo el mundo. En 1947 efectuó una exposición en blanco y negro sobre el retorno de los prisioneros de guerra a Viena; dos años más tarde ingresó en la agencia Magnum de París, y en 1950 se trasladó a Estados Unidos. “

Navajo Nation, Arizona 1970

Para mi, la fotografía constituye un placer, una satisfacción. Sin embargo, no equivale a felicidad. En la vida, como en la fotografía, la satisfacción es una fuerza contagiosa, una fuerza que puede elevar todos los sentidos: la vista, el oído, el olfato, el gusto, el tacto. Algo que le hará abierto y vulnerable, pero también curará sus decepciones. Es silenciosa, pero luminosa; es como la alegría, pero con cierta seriedad. Es más una sonrisa que una carcajada.

Es una fuerza de inspiración que intensifica la existencia. Puede guiar su corazón, sus ojos y su mano cuando accione el obturador de la cámara. El sujeto no es importante; lo que ha encuadrado resulta expresivo porque usted lo ha fotografiado.

Una imagen fotográfica crea una historia que no se había intentado contar antes. Es una mentira que dice la verdad; es una afirmación y una negación al mismo tiempo; es y no es. Puede considerarse un momento poético en el cual el “como si” crea una vida nueva.

Embed from Getty Images
Fachada de la Catedral de Notre Dame de París, 1963

Tomemos, por ejemplo, la paloma de la foto que, en la mano de una imagen de piedra de un santo, parece sostener una discusión pacífica con un viejo amigo. En la fracción de segundo de una fotografía se puede relacionar lo no relacionado. Cuando una niña pequeña da de comer a las palomas en San Marcos de Venecia, su miedo se transforma en placer.

Plaza San Marcos, Venecia, 1965

Toda emoción está basada en esta paradoja humana, el placer del temor. Ni positivo ni negativo, el placer puede apuntar a muchas direcciones a la vez.

Una vez que se dominan las pocas reglas básicas, la toma de fotografías es fácil. Lo más difícil e importante de conseguir es saber ver fotografías, ver realmente, de manera que lo que vea sea convincente. La satisfacción de ver con una cámara se centra en que usted verá en las escenas el mensaje especial que otros pueden pasar por alto.

Para poseer esta visión  fotográfica deberá estar alerta. Todo es aburrido si uno está aburrido. El encuadre del visor de una cámara es como una ventana al mundo que llevamos con nosotros a todas partes. Es este encuadre el que se transforma en nuestra disciplina del ver.

Desfile del día de Acción de Gracias, Nueva York, 1976

Así pues, fotografiar bien es únicamente un paso más hacia ver y disfrutar más sin la cámara. A través de la fotografía aprenderá a enjuiciar las lineas, las formas y, lo que es más importante, los colores, y a ver su armonía o su discordancia, su ritmo y su belleza.

La yuxtaposición de objetos en una fotografía debería crear una imagen que transmita sus sentimientos y su opinión acerca de una escena. Como la fila de carritos de supermercado y el sol de aspecto benevolente, o el cartel que anuncia la ayuda de Michelin justo sobre un automóvil que sin duda no ha recibido ayuda; una escena puede ser divertida y a la vez expresar algo sobre nosotros mismos y sobre la forma en que vivimos.

Supermercado, Florida, 1971

París, 1973

La fotografía es un medio universal, un idioma que no precisa traducción. Si el arte es aristocrático, la fotografía es su expresión democrática. Es un medio para todos, tal vez porque transmite con tanta efectividad las sutilezas y complejidades de los sentimientos existentes entre las personas. Por ejemplo, en una estación de ferrocarril de Munich, Alemania, la cámara combina a los personajes que no quieren partir con otro que, en su mente, parece haber llegado ya a su destino. Y en la página anterior, el alegre aunque no deseado abrazo entre un padre y su hijita expresa el viejo y afectuoso juego de resistirse a lo que ambos desean.

Despedida, Munich, Alemania Federal, 1973

Padre e hija, Colonia, Alemania Federal, 1973

Me encanta fotografiar a la gente; constituyen el tipo de imágenes con las que nos identificamos. Pueden hacernos sentir felices, indignados o tristes. Sobre todo, nos dicen: “Mira, he aquí alguien que se siente como yo.”

Existen trucos para captar a la gente sobre película (actualmente el sensor digital). Primero debe aprenderse a observar y a anticiparse. Las expresiones y movimientos de la gente son fugaces. Sólo el fotógrafo bien preparado consigue una imagen que retrate óptimamente a una persona o a un grupo. No se complique con un equipo excesivo. Le cansará y no le permitirá concentrarse.

Debe aprender a no molestar y a no interrumpir o influenciar las acciones de la gente. Tampoco debe vestirse de forma llamativa. Usted quiere ver sin que le vean. Intente ser invisible. Si la gente descubre su presencia, muestre su solidaridad con ellos, y posiblemente le permitirán fotografiarles. Sonría, y obtendrá a cambio otra sonrisa.

Agudice sus instintos. Aprenda cuándo debe trabajar desde lejos y cuándo puede acercarse; cuándo debe hablar y cuándo debe permanecer en silencio y cuándo no debe fotografiar. Y lo que es todavía más importante: aprenda cuándo debe marcharse.

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Silueta de un cowboy de Colorado

Nunca quise realmente ser fotógrafo. Fue un compromiso que creció lentamente a partir de una aspiración infantil que pretendía combinar dos metas: explorador y pintor. Quería viajar, ver, tener experiencias, pero me sentía abrumado por un exceso de impresiones constantemente cambiantes. ¿Qué mejor profesión podía existir que la de fotógrafo, el cual es casi un pintor apresurado?

Mi inspiración e influencias vinieron más de las artes que de las revistas de fotografía. Hay dos fotógrafos que admiro verdaderamente. Uno era Henri Cartier-Bresson. Nos hicimos amigos y me hizo descubrir la estructura geométrica escondida en una fotografía, así como la existencia de un momento decisivo en el cual la forma y el contenido parecen fundirse uno en el otro. El segundo fotógrafo fue Edward Weston, que en su trabajo me enseñó cómo crear una naturaleza muerta llena de vibrante energía.

Pero pronto me vi forzado a utilizar todas estas fórmulas con miras a una nueva dimensión, el mundo del color. La fotografía en blanco y negro es una sustracción, una reducción del color a negro, blanco y gris. Es una forma que respeto, y nunca he acabado de comprender por que debería competir con la fotografía en color en cuanto a fuerza o mérito. Pero, con la posibilidad de expresar un mundo de color a través del color tuve que buscar un tipo de composición en la que una fotografía en color se transformara en mucho más que una simple imagen en blanco y negro coloreada. En este mundo nuevo del color me encontraba sin grandes influencias y mucho más dependiente de lo que los pintores, antiguos o modernos, podían enseñar. Esta fascinación se remonta a casi 25 años atrás.

Palacio Dodge, Venecia, 1955.

Desde que empecé a utilizar una cámara, nunca me bastó la documentación pura. Siempre he sentido que toda fotografía debería tener la vibración de la vida y estar imbuida de lo que es, de lo que ha sido y de lo que será.

La primer película en color, la película Kodachrome, era muy lenta, en comparación con las películas actuales, y por su falta de sensibilidad me obligaba a utilizar velocidades de obturación muy lentas cuando fotografiaba escenas en movimiento que ocurrían en zonas de sombra. Esto me llevó gradualmente a realizar un experimento, que consistía en alargar el momento y en desplazar la cámara paralelamente al sujeto móvil, consiguiendo una solución visual que expresaba el movimiento en un lenguaje más dinámico.

Nevada, 1960

Como fotógrafo, considero mis imágenes como fragmento de un gran mosaico. Cuando trabajo, pienso en este mosaico y veo los puntos vacíos. De esta forma sé lo que falta, lo que precisa mi mosaico.

Cuando usted fotografíe algo, no lo considere como un resultado final; siempre existe una etapa siguiente. Repita una cosa sólo cuando pueda mejorarla. De lo contrario, continúe. Un fotógrafo debe cambiar para mostrar el cambio, y el desafío al que debe enfrentarse el fotógrafo no es únicamente mostrar el cambio, sino preservar lo que ya existe. Una fotografía debe ser a la vez una pregunta y una respuesta.

Ernst Haas
Nueva York
1979

Web oficial de Ernst Haas
http://ernst-haas.com/homepage/
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Texto extraído del libro “El placer de fotografiar”, por los editores de Eastman Kodak Company (título original en inglés: The joy of photography by the Editors of Eastman Kodak Company) Copyright 1979. Edición español 1980 por Ediciones Folio S.A. España. Páginas 68-77.
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Listos… ya!!!

Relax en PlayaCar, 2018 (©Alfonso Asensio)

Había dicho de que empezábamos el primero de marzo con las publicaciones de este blog. Pero tengo que contarles porque me demoré y no cumplí. La novedad más importante del 2018 no ha sido solo este proyecto de blog, sino además, que me case con una grandiosa mujer que es la inspiración y el soporte espiritual y afectivo más importante para que este y otros tantos proyectos sean posibles.

La foto es una parte de lo que fue tan bella luna de miel en las playas de Playa del Carmen (Cancún – México). Las mismas no solo me cargaron de pilas, sino que fueron muy útiles para nutrirme de nuevas ideas tanto para este blog como para mis proyectos fotográficos.

La demora en cuestión se vio reflejada porque al volver de luna de miel nos pusimos a dar forma a nuestra casa. Y además a armar mi estudio de fotografía.

Para ir terminando y no aburrirlos. Mañana viernes 9 de Marzo sale la primer publicación acorde a la estructura que le he dado al mismo. Los post, saldrán todos los viernes de cada semana, de ser posible.

Desde ya, gracias a los que leen el blog, acompañan en el proyecto y aportan a este espacio un grano de arena.

Estamos listos. Empezamos!!!

Saludos. Alfonso.

Luz, Cámara y Blog

Cómo bien conté en mi saludo de fin del 2017 y salutaciones del comienzo del 2018, hay algunas novedades.

Revitalizar mi blog por medio de diferentes publicaciones vinculadas al mundo de la fotografía y la comunicación visual en general.

Por ello he pensado en tres secciones temáticas que se irán publicando una por semana para darle mayor dinamismo al contenido.

Distancia focal / (ex Da la nota)
– Se publicará alguna entrevista de terceros, que ayude a enriquecer y cultivar diferentes ramas del arte visual más allá del mundo de la fotografía y que al mismo tiempo es vinculante y enriquecedor para el mismo.

Clicktácora /
– Será una especie de bitácora personal para exponer y compartir el proceso y avance de mi oficio como fotógrafo. El mismo también contará con algunos tips y pensamientos personales sobre fotografía.

Encuadres /
– Será una especie de reportaje periodístico (de producción propia) a distintos fotógrafos locales y foráneos consagrados, que nos ayudarán a encuadrarnos(*) y fortalecernos en nuestro emerger fotográfico.

(*) Sinónimo de encuadrar: acomodar, adaptar, ambientar, contextualizar, enmarcar, habituar, hacerse, situar, catalogar, clasificar, ajustar, enfocar, abarcar, comprender, contener, elevar, encerrar, englobar, envolver, incluir. 

Daremos comienzo a estas publicaciones el primero de marzo del 2018.

La invitación está hecha. Estense atentos a la fecha.

Saludos.

Alfonso.

Da la nota / Pablo Bronstein

“Es común que la gente vaya a una galería y no entienda nada. Eso pasa porque hay artistas que hablan a otros artistas o curadores. A mí nunca me interesó ese tipo de arte”


Bronstein, el artista argentino que sedujo a los grandes museos.

El artista argentino que logró un lugar en el Met, el Tate y el Pompidou.

Su familia dejó la Argentina cuando era un niño; se formó en Londres y se ganó un lugar en los templos de arte internacional.

Nota completa del diario La Nación
( http://www.lanacion.com.ar/2096134-pablo-bronstein-el-artista-argentino-que-logro-un-lugar-en-el-met-el-tate-y-el-pompidou )